miércoles, 16 de mayo de 2012

Man Ray: Fotógrafo surrealista


Man Ray, fue un artista estadounidense que impulso los movimientos del dadaísmo y el surrealismo.

Nació el 27 de agosto de 1890 en Filadelfia. Su nombre real era Emmanuel Radnitzky. Empezó con la pintura a la edad de 5 años; se trasladó a Brooklyn en 1897 donde va a la escuela y recibió una beca para estudiar arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de San Francisco, pero la rechaza porque no quiere una educación académica. Allí trabajó como grabador y boceteador en  una agencia de publicidad para solventar sus estudios nocturnos en la escuela National Academy od Design.

En 1913, cuando Man Ray pintaba su primer cuadro retratando a Alfred Stieglitz, se presenta la primera gran exposición de arte moderno en los Estados Unidos –conocida como Armony Show- donde Duchamp presentó su obra cubo-futurista “Desnudo descendiendo un escalera”. Dicha exposición y su posterior vínculo con la galería 291, que dirigía el fotógrafo Alfred Stieglitz –principal impulsor de la vanguardia en los Estados Unidos-, conectará a Man Ray con ese espíritu nuevo que ya venía gestándose en el viejo continente. En 1914 el arribo de Marcel Duchammp a los EE.UU –quien ya había creado sus primeros ready mades- será decisivo para el artista norteamericano. A partir de una sólida amistad con Duchamp, Man Ray realizará una serie de objetos artísticos llamado “Objetos de mi efecto”, que prefiguran sus posteriores trabajos dadaístas realizados en París después de 1921. Es de ese mismo año el objeto “Cadeau” que consiste en una plancha de hierro la cual tiene una amenazadora hilera de clavos en su base, inutilizándolo así la específica función del objeto y abriéndolo a nuevas interpretaciones posibles.

Cadeau. 1921.
En 1915 lleva a cabo su primera exposición individual en la Daniel Gallery de Nueva York. Fundó, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino. En el ´18 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y dos años después con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia: exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.

Man Ray mantuvo durante su larga trayectoria una imparable capacidad de invención, de juego, de goce ante la vida. En  1922 inventa los “rayogramas”: composición fotográfica hecha sin cámara, exponiendo el papel –previamente intervenido por objetos varios- a la luz. Ante esta invención el artista afirma: “Me revelé contra mi cámara fotográfica y la tiré. Tomé cuanto me caía en la mano: la llave de la habitación del hotel, un pañuelo, lápices, una brocha, un pedazo de cuerda. No estaba obligado a bañarlos en el líquido. Los depositaba sobre papel seco y los exponía a la luz durante unos segundos como si fuesen negativos. Estaba muy excitado y me divertía muchísimo”. Una selección de estos primeros “rayogramas” Man Ray los recoge en un álbum llamado “Le Champs délicieux” (Los campos deliciosos) con prólogo de Tristan Tzará.

Rayogramas.1923.

Una vez agotada la experiencia dadaísta, Man Ray participa activamente en el naciente surrealismo. Colabora con Bretón y Dalí en la revista ”La Révolution Surréaliste” e incrementa su actividad cinematográfica – ya tenía algunas realizaciones entre las que se cuentan “Regreso a la razón”, que fue hecha a pedido de Tzará y presentada en la última velada dadaísta-, en 1926 dirige con Duchamp y Marc Allégret “Anemic Cinema”, una película con ciertas características cinéticas, más tarde el filme “Emak Bakia” que presenta en Brookliyn Museum en 1928 “L´Etoile de mer”, basado en un poema del surrealista Robert Desnos. En relación a las películas que hizo Man Ray dijo: “Todos los filmes que he hecho han sido improvisaciones. No escribía guiones. Era un cine automático. Trabajaba solo. Mi intención era la de dar movimiento a las composiciones que había hecho en fotografía.

Woman with long hair. 1929.
El vínculo con el surrealismo le permite a Man Ray crear sus mejores fotos con modelos femeninas, como vemos en la obra titulada “Noire et Blanche”donde apararece el perfil de la modelo y el de una máscara africana en perfecto equilibrio compositivo. En este sentido vemos a un Man Ray que utiliza la fotografía como si se tratase de una pintura,  enfatiza el contorno de los cuerpos para darle un sentido de trazo manual a la composición.


Noire et Blanche. 1936.

En 1940, Man Ray regresa a los Estados Unidos y se instala en Hollywood donde retoma la pintura y el arte objeto. En 1951 retorna a París donde residirá hasta su muerte en 1976. En este último periodo las actividades surrealistas habían perdido su carga revulsiva y Bretón y sus amigos se entregaban a inofensivos juegos de salón y a recordar las viejas hazañas del periodo heroico.

jueves, 3 de mayo de 2012

La fotografía surrealista nace en París

En la época en la que París está apurando los años locos (les annés folles), Francia pertenece al bando de los Aliados vencedores de la última guerra, es una sociedad menos politizada que la Alemania de Weimar y donde las industrias del lujo sostienen el renombre de la capital.


El Surrealismo-palabra inventada por Guillaume Apollinaire (1880-1918)-, según la definición de Andre Breton (1896-1966), es «tomar conciencia cada vez más clara y al mismo tiempo crecientemente apasionada del mundo sensible».

La revalorización del papel fotográfico y de la fotografía dentro de este movimiento ha indo en aumento a partir de las exposiciones constantes en torno a este movimiento, pero sobre todo el boom tiene lugar con la exposición en la Hayward Gallery de Londres en el año 1978, sobre el Dadá y el Surrealismo, o en el Centre Pompidou un par de años después.

En realidad lo que nosotros llamamos fotografía surrealista no existe como tal, si bien es cierto el evidente interés que el propio Breton manifestó por ella incluyéndola en el Manifiesto Surrealista  de 1924. En él llega incluso a atribuirse la invención de la propia fotografía. La creación de conceptos como el de fotografía surrealista obedece a la necesidad de crear en la historia del arte un cliché al que se van acomodando los diferentes estilos. De este modo, la fotografía es considerada como un pilar en el que se fundían o más bien entrelazaban los dos pilares freudianos de la teoría surrealista: el automatismo y el sueño.

Aunque la fotografía y el surrealismo son términos que, a priori, podrían resultar paradójicos entre sí, sin embargo la fotografía sí registro una consideración no conocida hasta ahora; ello lo demuestra, por ejemplo, el hecho de que artistas de otras disciplinas se interesaran por ella, e incluso hoy día sean conocidos por sus fotografías y no por sus demás obras, como es el caso de Man Ray (1890-1976); los debates en torno a su inclusión entre las demás Bellas Artes desaparecieron.


Man Ray, Kiki. Violon d´Ingres, 1924. Colección Gruber, Ludwing Museum, Colonia.


Jacques-André Boiffard, Sin título (ilustración para Nadja), 1928. Colección Lucien Treillard, París.

Esta diversificación en el origen de la obra se ve reflejada también en temas y técnicas que, además, ya venían “contaminadas” de las influencias de otros grupos. Y es que dentro de la “fotografía surrealista” caben, por una parte, las imágenes sin manipular de Jacques-André Boiffard, como las que realiza para ilustrar el libro de Nadja, o las que planteaban el pepel del testimonio fotográfico de los maniquíes de Hans Bellmer. (VV.AA, Historia general de la fotografía, Madrid, Cátedra, 2007).






lunes, 23 de abril de 2012

El extraño mundo de Styrsky


Jindrich Styrsky  (1899-1942) Fue un poeta, editor, pintor y fotógrafo checoslovaco que participó en el movimiento surrealista. Destaco por su increíble versatilidad a la hora de conformar todo tipo de ilustraciones y portadas de libros, fue director de un grupo de teatro y activo editor. Pero la inspiración de Jindrich Styrsky fueron los sueños y las experiencias oníricas,  donde se reflejan principalmente en su trabajo fotográfico.   



Participó en la primera exposición del Grupo Surrealista Checo, en la galería Mánes de Praga, logrando un gran éxito con dos series fechadas en 1934: Hombre con tapaojos y  Hombre rana. En las imágenes, que reflejaban experiencias de su infancia, se mostraban escaparates de tiendas, circos y objetos funerarios ligados a la imaginación del artista. (SOMOSCENTRO.com)



Logra sus fotografías a través del acertado uso de la luz. En ellas se descubre cómo la ciudad, los objetos o las pequeñas acciones cotidianas pueden convertirse en algo más de lo que parecen ser a simple vista.




Para consultar más obras sobre este artista: 


miércoles, 18 de abril de 2012

El Surrealismo fotográfico de Romain Laurent


Hace días mencionábamos la importancia que tienen las imágenes en la publicidad, el ejemplo lo vimos con los anuncios de Volkswagen. Pero hoy vamos a hablar del trabajo del francés Romain Laurent.

Roman Laurent es un fotógrafo francés nacido en 1983 con estudios de diseño en París. Dedicado principalmente a la fotografía publicitaria, ha sido reconocido por empresas como Citroën, Coca-Cola, Epson, Microsoft, etc. Su estilo fotográfico consigue impactantes imágenes surrealistas y crea unos efectos increíbles, logrados a su vez por su peculiaridad humorística, donde nos muestra su peculiar visión de la realidad.






Como podemos observar en sus fotografías una de sus singularidades es que tiene tendencia a utilizar los efectos visuales creados por ordenador para hacer llegar un mensaje, muchas veces jugando con la gravedad, logrando de esa forma, transmitirnos distintas sensaciones y no dejarnos impasibles a sus creaciones.

Este artista tiene un instinto directo para la realización de temas contemporáneos y de complejos panoramas urbanos. Su forma de acercamiento a la fotografía es de forma refinada y sofisticada que le hecho ser una influencia estilística importante en toda una generación de fotógrafos jóvenes.

Para conocer más sobre este artista: http://www.romain-laurent.com/

viernes, 13 de abril de 2012

El surrealismo fotográfico de Hermin Abramovitch.


Hermin Abramovitch es un fotógrafo israelí que con sus imágenes nos lleva a lugares muy particulares, ya que usa elementos cotidianos.

Por otra parte, es un artista que nos recuerda al surrealismo de Dalí y  a sus “relojes blandos”, debido a la visión distorsionada de la realidad que nos ofrece.

Muchas veces en sus obras encontramos bombillas, relojes, copas, pues la base de sus fotografías la encontramos en el frecuente uso del mar y los distintos elementos que allí podemos encontrar, por eso estos elementos siempre van acompañados de gente y  fauna creando de esta manera un surrealismo fotográfico atractivo a nuestros ojos. (http://aldea-irreductible.blogspot.com.es/2008/10/el-surrealismo-fotogrfico-de-hermin.html).

Bombilla y pez vertical
Ink sea

Copa en Playa


Perfume



Bombilla y mariposa

Bombillas
The Truth

Para consultar más imágenes del artista véase: http://ahermin.deviantart.com/gallery/



lunes, 9 de abril de 2012

La fotomanipualción de Erik Johansson: surrealismo en la plaza de Estocolmo.


Erik Johansson es un fotógrafo sueco de 23 años que nos presenta en sus obras algunas reflexiones sobre la creación de algunas de sus fotografías hiperrealistas pero imposibles y surreales, que más que mostrar una realidad muestran la captación de una idea. (Imágenes: Google Images)

Acepta el camino

Contribuye a pintar un mundo mejor

Haz tu propio camino en la vida

Helado

No te desanimes

No te preocupes tanto por las cosas sin importancia


Las fotografías de Erik Johansson están realizadas a base de CGI (imágenes generadas por ordenador).Pues bien, su creatividad, que se creía solo palpable en el ordenador ha llegado a conquistar la calle, mediante su intervención. Esta es llevada al extremo en su última obra, llamada Mind Your Step, basada en sus fotos de ilusiones ópticas. La dificultad reside en que dicha intervención esta realizada con fotografías, y en la que ha calculado casi todo el al milímetro, en una plaza de la ciudad de Estocolmo.

Mind Your Step



Mind Your Step - behind the scene. Este video muestra cómo llevo a cabo su última obra.

Sin lugar a dudas, el uso de la fotografía como herramienta, sea de la forma que sea para conseguir llegar a una idea, es lo verdaderamente importante. Conseguir un fin marcado, como podrán ver en el video. (http://blogfotografos.com/los-mejores-fotomontajes-de-erik-johansson/)

Para consultar más obras suyas, pueden visitar: http://alltelleringet.com/portfolio/personal/

martes, 3 de abril de 2012

El surrealismo en Volkswagen Polo Bluemotion

La nueva campaña de la agencia DDB para el VW Polo BlueMotion consiste en una serie de carteles basados en la obra de René Magritte y Salvador Dalí. En concreto, reinterpretan algunos de los elementos más conocidos de obras como "El hijo del hombre" de Magritte o "La Persistencia de la Memoria" de Dalí.

Anuncios ilustrados por Kirill Chundinskly para Volkswagen Polo Bluemotion.

Los creativos de DDB no han sido demasiado originales. De hecho, esta es la enésima incursión publicitaria en la obra de los surrealistas y muy especialmente en la de Magritte, profusamente explotada en todo tipo de anuncios. Se trata de una presencia recurrente que ha sido estudiada en profundidad en libros como ""Cenci n´est pas un Madritte (Essai sur Magritte et la publicité) de George Roque, en el que se analiza la utilización de los recursos lingüisticos de Magritte en la comunicación persuasiva.


También Marta Mensa, del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universitat Autònoma de Barcelona trató este tema en su tesis "L´altra cara de René Magritte, el publicista". En ella analiza la "publicidad magrittiana" a través de más de 6000 anuncios publicados en suplemento dominical del diario El País entre los años 1995 y 2005.


La vinculación de Magritte con la publicidad es muy profunda. A pesar de que la detestaba, él ejerció como creativo publicitario durante toda su vida. En 1918, con apenas 20 años, creó su primer cartel, un anuncio de sopas Derbaix y continúo aceptando encargos publicitarios hasta los años sesenta. Su último trabajo lo realizó para Sabena en 1966, tan solo unos meses antes de morir. Además entre 1931 y 1936 trabajó con su hermano Paul en al agencia Studio Dongo, situada en el patio trasero de su casa.


Imagino que la predilección de los publicistas por Magritte (casi podríamos hablar de obsesión) está relacionada con la fuerte iconicidad de su obra y con su carácter narrativo. Su vocabulario formal y simbólico (como el de muchos otros surrealistas)  favorece una lectura rica y polisémica, pero sencilla. Frente al carácter críptico de buena parte del arte contemporáneo, la obra de los surrealistas es fácil de interpretar.

En el caso de Magritte, además, el impacto que producen en nosotros sus cortocircuitos visuales, hacen que sus imágenes se fijen a fuego en nuestra memoria. Algo a lo que, en nuestra querida economía de la atención, ningún creativo publicitario puede resistirse. (http://smonje.wordpress.com/2008/12/15/inspiracion-surrealista-volkswagen-polo/) (http://www.chudinskiy.com/category.php?count=22&category=print&pic=1)







miércoles, 28 de marzo de 2012

El surrealismo sobre el color


El surrealismo sobre el color

Si la manera del tratamiento de los colores del realismo es para exponer la función aparencial en base a la realidad, entonces, la manera del tratamiento de los colores del surrealismo subraya más la función de los colores subjetivamente, sólo quería la función ideográfica, no considerar la realidad del tratamiento de los colores.
En la película ¨El desierto rojo¨ del director italiano Michelancelo Antonioni, quien es el fundador de la película occidental moderna, el rojo, amarillo y azul son colores para describir sentimientos. Él cepilla la fábrica con rojo y amarillo, y los árboles también son rojos. El rojo y amarillo simbolizan conmoción y miedo, en la película, todo el ambiente está envuelto en rojo y amarillo, estos colores actúan de forma metafórica expresando la cultura de industria moderna que está destruyendo el ser humano. El humo amarillo saliendo por el cañón insinúa que es mefítico. La pared de la heroína es de color azul, insinúa a julia quien es una desequilibrada ve un mundo empedernido e inclemente, ella no puede comunicar con su familia ni con el mundo exterior, su mundo mental se está hundiendo completamente. Verde, el color de la vida, en esta película lo vemos muy poco, esto quiero decir que el mundo se está contaminando por la industria, todas las vidas esta en amenaza, incluso ya no se puede vivir.
Ésta película manifiesta y expresa los colores, no de la mismas forma simbólica que nos presenta la naturaleza, sino que lo hace de forma que se activen nuestras emociones a través de la carga subjetiva que nos proporciona el surrealismo.

René Magritte

Uno de los pintores surrealistas mas importantes del siglo XX.  Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Realismo mágico

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica.

El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma. Desde el punto de vista psicoanalítico, el espejo representa la confusión de identidad del falso yo.





Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.

En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.

En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.

La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.

Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).

A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.

Durante el año siguiente viaja a Israel.

Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.


Os dejo un video que cuenta su obra:









André Breton 1924.jpg

André Bretón : Escritor surrealista

Esctitor, ensayista,  teórico del Surrealismo, reconocido como el fundador y principal referente de este movimiento artístico.

Durante la guerra trabajó en hospitales psiquiátricos, donde estudió las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales), lo que influyó en su formulación de la teoría surrealista. Se convirtió en pionero de los movimientos antirracionalistas conocidos como dadaísmo y surrealismo. En 1920 publicó su primera obra Los campos magnéticos, en la que exploraba las posibilidades de la escritura automática. Al año siguiente rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo.

Fundó con Louis Aragon y Philippe Soupault la revista Littérature. En 1924 escribió el Manifiesto surrealista y a su alrededor se formó un grupo compuesto por Philippe Soupault, Luis Aragón, Paul Éluard, René Crevel, Michel Leiris, Robert Desnos, Benjamin Péret, deseosos de llegar al «Cambiar la vida» de Rimbaud y «Transformar el mundo» de Marx. «El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento.

Sus obras más importantes son:

  • Los pasos perdidos (1924).
  • Manifiesto surrealista (1924, 1930, 1946).
  • El Surrealismo y la pintura (1928)
  • Segundo manifiesto (1929).
  • Antología del humor negro (1940)
  • Prolegómenos a un tercer manifiesto o no (1942).
  • Delito Flagrante (1949)
  • El Surrealismo a través de sus obras (1954)










martes, 27 de marzo de 2012

Tendencia surrealista en el estilo fotográfico de Jamie Baldridge


Jamie Baldridge es un artista estadounidense, actualmente ejerce de profesor de fotografía en la Universidad de Lousiana. Su proceso de diseño es muy largo, pero su trabajo está enmarcado dentro del surrealismo, puesto que su universo icónico podría ponerse en continuidad con los de Magritte, Delvaux o Dalí.

The Vanity of Oneirology
Tras obtener el título en Teología y Escritura Creativa en la Universidad Estatal de Lousiana, Baldridge sigue sus instintos y con un BFA en Fotografía logra resultados únicos. Jamie trabaja en gran formato con cámaras digitales de alta resolución de 35 mm usando además varias aplicaciones de software para componer sus mundos, casi meramente sintéticos, formados por varias fotografías y reproducciones digitales.

Perpetual Motion


El trabajo de Jamie Baldridge se forja mediante la elaboración de un largo diseño,  primero comienza con dibujos, a continuación sigue con representaciones digitales, luego las sesiones de fotos y, finalmente, la composición de los distintos elementos juntos en una imagen transparente y creíble. El artista dice: “Mientras trabajo, suelo escuchar música clásica o ambiental. Me encanta Thievery Corporation, Gotan Project, Gorillaz, entre otros”.


The Ten Penny Prophet
En cuanto a los sistemas digitales que utiliza, uno de ellos es el software Maya, con el que completa la composición, como si se tratase de una composición musical, que no está completa si en ella no hay silencio; además de utilizar el photoshop (con el que crea texturas), agregando color, equilibrando la iluminación, acentuando zonas, etc, que le dan el toque final de un pulido excepcional.

Los estudios de Jamie Baldridge combinan teología, literatura y fotografía, una combinación  que explica un poco esa forma que tiene de dibujar historias de personajes solitarios y perseguidos por un destino inevitable que representa con diversos elementos y que de alguna forma es una crítica a la sociedad actual y a su afán por saturarse de artefactos. En resumen, las imágenes de Baldridge  son ensoñaciones, más bien pesadillas abiertas a la reflexión, en los que él artista los carga de títulos sugerentes que aportan a sus obras un papel importante a la hora de situar su iconografía en la mente del espectador.

Balancing Gibraltar
Su  última obra se titula Belle Époque, que nace de la inquietud que hay en su mente provocada por toda la agitación en el mundo actual. Los personajes de esta obra expresan todos los aspectos que se viven actualmente en occidente son reflejo de una sociedad conflictiva, materialista e insatisfecha.

Para este año está terminando su último libro “Almost Fiction” (Modernbook Editions, junio de 2012) y también está trabajando en una nueva serie titulada “Playing with Arsenic” que tiene cronológicamente lugar después de la “Belle Époque”. Aunque también está preparando un gran espectáculo para mayo con Bernhard Burhman en la galería Carbon 12 de Dubai.

Seguramente los profesionales de la fotografía ya conocen el trabajo de Jamie Baldridge, pero quienes hacen ilustración o pintura y en general a quienes les gusta el surrealismo y las historias gráficas, les invitamos a conocer Belle Époque; Dystopia y The Everywhere Chronicles, los tres apartados que se pueden visualizar en su website, donde encontramos su extenso e interesante trabajo.

Series animadas: Doraemon


Volvemos con otra serie de animación japonesa, esta vez conocida por todos: Doraemon.

¿Qué tiene de surrealista? Digamos que un gato-robot con un bolsillo mágico del que saca todo tipo de de artilugios del futuro no es muy realista… Sin embargo, la serie es muy educativa, transmite los valores de la amistad, y que como todos los aparatos que Doraemon le deja a Nobita son inútiles, al final tiene que solucionar él el problema por sus medios. Creo que todos hemos visto al menos algún capítulo de esta serie durante nuestra vida.
En Japón, la serie tuvo tanta importancia que hasta nombraron al personaje de Doraemon “embajador del manga en los países extranjeros” por ser conocida a nivel mundial.
La serie misma en sí es surrealista, ya que en el último capítulo, se mostraba cómo toda la serie resultaba ser un sueño de Nobita, que despertaba de un coma. Este episodio traumatizó a los niños japoneses, por lo que se prohibió su emisión en otros países.
 La serie ha sido parodiada hasta en nuestro país, por ejemplo, en la serie animada "Cálico Electrónico" tienen dos personajes dedicados de Nobita y Doraemon. No es tan educativa, en este caso es una serie de humor para público adolescente, pero la homenaje es evidente.

El surrealismo en arte moderno: Archan Nair

Archan Nair es un artista visual, ilustrador y director de arte de Nueva Delhi, India, su trabajo es descrito como explosivo. A los 18 años comenzó a trabajar en moda en un negocio familia. Cuando empezó a investigar en el arte digital en 2006 (a la edad de 24) encontró su verdadera vocación. Sólo un año más tarde se convirtió en un artista independiente.

Su increíble estilo no ha pasado desapercibido, de hecho, ha trabajado con varias compañias globales como: Canon, Nike, Microsoft, Pepsi y Sony. A la edad de 27, Archan ya ha experiemntado un gran éxito. Su trabajo también ha sido publicado en revistas como Vogue, GQ, Vanity Fair y Rolling Stone.

Su técnica es combinada, incluyendo tanto las herramientas tradicionales y digitales. Archan crea ilustraciones en capas que están llenas de detalles. Se inspira en diversas fases y formas de vida para crear obras muy complejas, que se conectan en las diversas dimensiones de nuestra existencia.

Algunas de sus obras, incluso pueden recordarnos a Dalí, aunque lo que en verdad el artista busca es representar el proceso real del pensamiento, es decir, el dictado del pensamiento libre, sin control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas como vemos en las imágenes que hemos seleccionado.









Para consulta acerca de más obras de este autor: http://archann.net/  Seguramente ya habíamos visto algunas de sus obras en muchas publicidades. Su arte, en mi opinión, es fruto del trabajo escondido, porque alguna vez nos habíamos parado a pensar en quién hace estas cosas.