El surrealismo sobre el color

El surrealismo sobre el color

Si la manera del tratamiento de los colores del realismo es para exponer la función aparencial en base a la realidad, entonces, la manera del tratamiento de los colores del surrealismo subraya más la función de los colores subjetivamente, sólo quería la función ideográfica, no considerar la realidad del tratamiento de los colores.

En la película ¨El desierto rojo¨ del director italiano Michelancelo Antonioni, quien es el fundador de la película occidental moderna, el rojo, amarillo y azul son colores para describir sentimientos. Él cepilla la fábrica con rojo y amarillo, y los árboles también son rojos. El rojo y amarillo simbolizan conmoción y miedo, en la película, todo el ambiente está envuelto en rojo y amarillo, estos colores actúan de forma metafórica expresando la cultura de industria moderna que está destruyendo el ser humano. El humo amarillo saliendo por el cañón insinúa que es mefítico. La pared de la heroína es de color azul, insinúa a julia quien es una desequilibrada ve un mundo empedernido e inclemente, ella no puede comunicar con su familia ni con el mundo exterior, su mundo mental se está hundiendo completamente. Verde, el color de la vida, en esta película lo vemos muy poco, esto quiero decir que el mundo se está contaminando por la industria, todas las vidas esta en amenaza, incluso ya no se puede vivir.

Ésta película manifiesta y expresa los colores, no de la mismas forma simbólica que nos presenta la naturaleza, sino que lo hace de forma que se activen nuestras emociones a través de la carga subjetiva que nos proporciona el surrealismo.

René Magritte

Uno de los pintores surrealistas mas importantes del siglo XX.  Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Realismo mágico

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica.

El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma. Desde el punto de vista psicoanalítico, el espejo representa la confusión de identidad del falso yo.

Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.

En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.

En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.

La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.

Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).

A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.

Durante el año siguiente viaja a Israel.

Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.


Os dejo un video que cuenta su obra:

André Bretón : Escritor surrealista

Esctitor, ensayista,  teórico del Surrealismo, reconocido como el fundador y principal referente de este movimiento artístico.

Durante la guerra trabajó en hospitales psiquiátricos, donde estudió las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales), lo que influyó en su formulación de la teoría surrealista. Se convirtió en pionero de los movimientos antirracionalistas conocidos como dadaísmo y surrealismo. En 1920 publicó su primera obra Los campos magnéticos, en la que exploraba las posibilidades de la escritura automática. Al año siguiente rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo.

Fundó con Louis Aragon y Philippe Soupault la revista Littérature. En 1924 escribió el Manifiesto surrealista y a su alrededor se formó un grupo compuesto por Philippe Soupault, Luis Aragón, Paul Éluard, René Crevel, Michel Leiris, Robert Desnos, Benjamin Péret, deseosos de llegar al «Cambiar la vida» de Rimbaud y «Transformar el mundo» de Marx. «El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento.

Sus obras más importantes son:

• Los pasos perdidos (1924).
• Manifiesto surrealista (1924, 1930, 1946).
• El Surrealismo y la pintura (1928)
• Segundo manifiesto (1929).
• Antología del humor negro (1940)
• Prolegómenos a un tercer manifiesto o no (1942).
• Delito Flagrante (1949)
• El Surrealismo a través de sus obras (1954)

Tendencia surrealista en el estilo fotográfico de Jamie Baldridge

Jamie Baldridge es un artista estadounidense, actualmente ejerce de profesor de fotografía en la Universidad de Lousiana. Su proceso de diseño es muy largo, pero su trabajo está enmarcado dentro del surrealismo, puesto que su universo icónico podría ponerse en continuidad con los de Magritte, Delvaux o Dalí.

The Vanity of Oneirology

Tras obtener el título en Teología y Escritura Creativa en la Universidad Estatal de Lousiana, Baldridge sigue sus instintos y con un BFA en Fotografía logra resultados únicos. Jamie trabaja en gran formato con cámaras digitales de alta resolución de 35 mm usando además varias aplicaciones de software para componer sus mundos, casi meramente sintéticos, formados por varias fotografías y reproducciones digitales.

Perpetual Motion

El trabajo de Jamie Baldridge se forja mediante la elaboración de un largo diseño,  primero comienza con dibujos, a continuación sigue con representaciones digitales, luego las sesiones de fotos y, finalmente, la composición de los distintos elementos juntos en una imagen transparente y creíble. El artista dice: “Mientras trabajo, suelo escuchar música clásica o ambiental. Me encanta Thievery Corporation, Gotan Project, Gorillaz, entre otros”.

The Ten Penny Prophet

En cuanto a los sistemas digitales que utiliza, uno de ellos es el software Maya, con el que completa la composición, como si se tratase de una composición musical, que no está completa si en ella no hay silencio; además de utilizar el photoshop (con el que crea texturas), agregando color, equilibrando la iluminación, acentuando zonas, etc, que le dan el toque final de un pulido excepcional.

Los estudios de Jamie Baldridge combinan teología, literatura y fotografía, una combinación  que explica un poco esa forma que tiene de dibujar historias de personajes solitarios y perseguidos por un destino inevitable que representa con diversos elementos y que de alguna forma es una crítica a la sociedad actual y a su afán por saturarse de artefactos. En resumen, las imágenes de Baldridge  son ensoñaciones, más bien pesadillas abiertas a la reflexión, en los que él artista los carga de títulos sugerentes que aportan a sus obras un papel importante a la hora de situar su iconografía en la mente del espectador.

Balancing Gibraltar

Su  última obra se titula Belle Époque, que nace de la inquietud que hay en su mente provocada por toda la agitación en el mundo actual. Los personajes de esta obra expresan todos los aspectos que se viven actualmente en occidente son reflejo de una sociedad conflictiva, materialista e insatisfecha.

Para este año está terminando su último libro “Almost Fiction” (Modernbook Editions, junio de 2012) y también está trabajando en una nueva serie titulada “Playing with Arsenic” que tiene cronológicamente lugar después de la “Belle Époque”. Aunque también está preparando un gran espectáculo para mayo con Bernhard Burhman en la galería Carbon 12 de Dubai.

Seguramente los profesionales de la fotografía ya conocen el trabajo de Jamie Baldridge, pero quienes hacen ilustración o pintura y en general a quienes les gusta el surrealismo y las historias gráficas, les invitamos a conocer Belle Époque; Dystopia y The Everywhere Chronicles, los tres apartados que se pueden visualizar en su website, donde encontramos su extenso e interesante trabajo.

http://jamiebaldridge.com/

Series animadas: Doraemon

Volvemos con otra serie de animación japonesa, esta vez conocida por todos: Doraemon.

¿Qué tiene de surrealista? Digamos que un gato-robot con un bolsillo mágico del que saca todo tipo de de artilugios del futuro no es muy realista… Sin embargo, la serie es muy educativa, transmite los valores de la amistad, y que como todos los aparatos que Doraemon le deja a Nobita son inútiles, al final tiene que solucionar él el problema por sus medios. Creo que todos hemos visto al menos algún capítulo de esta serie durante nuestra vida.

En Japón, la serie tuvo tanta importancia que hasta nombraron al personaje de Doraemon “embajador del manga en los países extranjeros” por ser conocida a nivel mundial.

La serie misma en sí es surrealista, ya que en el último capítulo, se mostraba cómo toda la serie resultaba ser un sueño de Nobita, que despertaba de un coma. Este episodio traumatizó a los niños japoneses, por lo que se prohibió su emisión en otros países.

 La serie ha sido parodiada hasta en nuestro país, por ejemplo, en la serie animada "Cálico Electrónico" tienen dos personajes dedicados de Nobita y Doraemon. No es tan educativa, en este caso es una serie de humor para público adolescente, pero la homenaje es evidente.

El surrealismo en arte moderno: Archan Nair

Archan Nair es un artista visual, ilustrador y director de arte de Nueva Delhi, India, su trabajo es descrito como explosivo. A los 18 años comenzó a trabajar en moda en un negocio familia. Cuando empezó a investigar en el arte digital en 2006 (a la edad de 24) encontró su verdadera vocación. Sólo un año más tarde se convirtió en un artista independiente.

Su increíble estilo no ha pasado desapercibido, de hecho, ha trabajado con varias compañias globales como: Canon, Nike, Microsoft, Pepsi y Sony. A la edad de 27, Archan ya ha experiemntado un gran éxito. Su trabajo también ha sido publicado en revistas como Vogue, GQ, Vanity Fair y Rolling Stone.

Su técnica es combinada, incluyendo tanto las herramientas tradicionales y digitales. Archan crea ilustraciones en capas que están llenas de detalles. Se inspira en diversas fases y formas de vida para crear obras muy complejas, que se conectan en las diversas dimensiones de nuestra existencia.

Algunas de sus obras, incluso pueden recordarnos a Dalí, aunque lo que en verdad el artista busca es representar el proceso real del pensamiento, es decir, el dictado del pensamiento libre, sin control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas como vemos en las imágenes que hemos seleccionado.

Para consulta acerca de más obras de este autor: http://archann.net/  Seguramente ya habíamos visto algunas de sus obras en muchas publicidades. Su arte, en mi opinión, es fruto del trabajo escondido, porque alguna vez nos habíamos parado a pensar en quién hace estas cosas. 

Series animadas surrealistas: Bobobo

Regresamos con otra serie de animación surealista, aunque sería más correcto decir absurda.

Bobobo es una serie de animación japonesa de humor absurdo. Esta ambientada en el futuro donde el llamado “Imperio Margarita” liderado por el emperador Bola de Billar IV crea un escuadrón de soldados llamados “cazadores de pelo” encargados de dejar calvos a todoslos ciudadanos de la Tierra. El protagonista, Bobobo, tiene la habilidad de comunicarse con el pelo de las personas, incluído con el suyo propio, por tanto se ve obligado a oponerse a este imperio. En su aventura le acompañan distintos personajes como Beauty, una chica de pelo rosa que no se quiere quedar calva, Don Patch, una especie de sol con pinchos, Tenosuke, una especie de gelatina azul, o Softón, un humano con cabeza de “helado de fresa”.

En la serie a veces se hacen cambios de escena que no tienen nada que ver, únicamente con el fin de causar gracia. Pueden verse ataques y técnicas absurdas, como el “ataque del cabello nasal” de Bobobo. La serie habla por sí sola.

El pintor de los sueños: Jacek Yerka

Jacek Yerka pintor neo-surrealista,  que comparte su técnica con Vladimir Kush, al igual que este pintor sus pinturas nacen a partir de un dibujo en grafito, luego pasan a lápices de colores y a un borrador a pastel para terminar en acrílico sobre tela, donde introduce motivos aparentemente naturalistas, pero que reviste de un marcado simbolismo polivalente.

Este increíble pintor nació en el año 1952 en Torun (Polonia), donde se encuentra Fine Arts Academy,  lugar donde se graduó en grabado. Leyendo un poco acerca de él, descubrimos que no sólo es bueno para pintar, ya que al principio pasaba tiempo haciendo pequeñas esculturas, en lugar de jugar al aire libre como los demás niños.  A  pesar de sus increíbles facultades, el no quería ser artista como sus padres, si no que quería ser médico o astronauta.

La ciudad es el aterrizaje

Otoño

Pero fue la pintura lo que le convenció realmente para volverse en un artista, cuando él se sumergió en el “misterioso mundo del color” en las mismas palabras del pintor. Antes de ser aprobado por la academia él ya había practicado todas las corrientes contemporáneas en la pintura desde el impresionismo a lo abstracto. Estuvo fascinado por Cezanne y también por Paul Klee.

En sus obras podemos ver la influencia de arquitectura de la Europa medieval que encontramos en su tierra natal. Aunque también encontramos la influencia de pintores como Hieronymus Bosch, Pieter Brugel, Hugo van der Goes y Jan van Eyck, quienes dejaron una huella duradera en su estilo propio.

Creating the water

Erupción

A pesar de estar influido por estos pintores su mayor fuente de inspiración siempre será su infancia y los souvenirs con  lo que interactuaba en aquellos días, lugares, fragancias, sentimientos recordados y algo de las técnicas dadas en los 50`s.

En 1995 el artista fue galardonado con el prestigioso World Fantasy Award como mejor artista. Exhibe sus obras en Polonia y en el exterior (Alemania, Francia y USA, entre otros),  iniciando un representativo aprecio a la corriente de ciencia ficción en el arte.

Baldaquín

La primavera llega a la parroquia

El resultado de su obra es un conjunto de paisajes fantásticos y oníricos, llenos de color, donde las distancias se mezclan y confunden, donde la imaginación es la protagonista. Yerka sabe introducirnos a un mundo marino o celestial, bosques o ciudades, a los mundos del sueño, el asombro y el misterio, a su particular mundo de las maravillas.

Para más información sobre este increíble artista: http://www.yerkaland.com/

El surrealismo de Vladimir Kush

Vladimir Kush es un artista surrealista, pero que define su arte como realismo metafórico, no solo se mueve en el amplio repertorio de la pintura sino que también en la escultura. Nació en Moscú (1965). Comenzó a dibujar y a mostrar su gran capacidad imaginativa a los tres o cuatro años, pero fue a la edad de siete años cuando en verdad comienza a estudiar en la escuela de bellas artes; y es a la edad de los dieciséis años cuando comienza a inspirarse en los grandes artistas como Cézanne, Monet, Van Gogh, etc. Cansado del estilo en el que se centraba su escuela de Bellas Artes, Kush comenzó a mezclar imágenes surrealistas pintando  y experimentando con diferentes estilos. Influido por su padre  científico, piensa que la pintura realista muestra la capacidad profesional del artista adentrando al espectador en un mundo fantástico, como haría un matemático. Por lo que en sus imágenes podemos ver metáforas y explorar sus diferentes significados.

En 1987 comenzó a vender sus pinturas y exposiciones dentro de la Unión de Artistas. Por aquel tiempo le invitaron a pintar una serie de retratos para el personal de la embajada estadounidense. Sin embargo, tuvo que dejarlos de lado después de que KGB lo hiciera sospechoso de apoyar a los norteamericanos debido a algunos libros que leía durante el servicio militar.

En 1990 presentó sus trabajos en Alemania junto a otros dos artistas rusos. Tiempo después visitó Los Ángeles para una nueva exposición y se quedó en los Estados unidos. Su arte fue observado primero en el continente asiático y después en América. En 2001 abrió su primera galería, en el Lahaina, Hawai. Actualmente tiene otra galería en la Playa Laguna de California.

Las pinturas de Kush, a primera vista, emiten un cálido resplandor de realismo excepcional, familiaridades de bienvenida, formas orgánicas, matices terrestres, todo esto, pero de manera ajustada  nos introducen de forma trascendental en el contorno y fondo de cada imagen. Es un cuerpo amplio y diverso el que este artista abarca, pero aunque a menudo sus imágenes contienen piezas similares, siempre logramos sorprendernos por su cambio en el estilo y el tema.

Fauna in la Mancha

Star target

Always Together

Pillowbook

Metamorphosis

Measure of Greatness

Para visualizar más obras de este magnifico autor:   

Para finalizar me gustaría hacer mención de su libro titulado Viaje metafórico, en cuya portada aparece su obra titulada Wind. Este es un catálogo poético de las obras más importantes de Vladimir y sus dibujos hasta el año 2002. También incluye su biografía, su credo, como fundador del realismo metafórico que está en la escuela del surrealismo, y las ilustraciones a toda página de su arte y la poesía relacionada. Es un libro que si tienen la oportunidad no deberían dejar de leer.

Para más datos de interés, véase: http://vladimirkush.com/

Literatura surrealista : El Conde de Lautréamont

Literatura surrealista : El Conde de Lautréamont

Su antenombre es Isidore Lucien Ducasse. Nació en el año 1846 en Montevideo, Uruguay - murió en Francia en el año 1870; es conocido como Conde de Lautréamont, fue un poeta de lengua francesa nacido en Uruguay de padres franceses y educado en Francia. Durante su vida no fue conocido, pero se lo considera uno de los precursores del surrealismo.

Pasó una infancia dura por la Guerra Grande que finalizaría en 1851, esto repercutirá en el carácter de sus obras. Volvió a Francia a estudiar en 1859. A los 13 años de edad fue enviado como interno al Liceo imperial de Tarbes y después a la ciudad de  Pau. Más tarde, él empezó a escribir en un hotel en Francia. Se caracterizaba por ser una persona que salía poco del hotel, puesto que se quedaba en su habitación todos los días; durante las noches, se quedaba escribiendo mientras tocaba el piano.

Publica los primeros cantos poéticos de su obra Los cantos de Maldoror en 1868 (la obra completa llegará a Bélgica un año más tarde). Sin embargo, el editor Lacroix se negó a vender el libro porque temía ser acusado de blasfemia u obscenidad, como veremos en los versos presentados a continuación de Los cantos de Maldoror.

En sus obras incluye [Les Chants De Maldoror], fragmento de [poema I] y [poema II].

En la prosa larga [Les Chants De Maldoror], hay nombres de 185 tipos de animales, y una descripción literal de su deformación y carácter sanguinario.Ésta obra es una gran prueba de como la literatura puede tener un increíble poder destructivo. Los surrealistas del siglo XX se inspiran en su obra, y lo consideran como el fundador del surrealismo. Esta obra presenta una clara oposición al ser humano, a la ética, a los dioses, es una poesía de carácter revolucionario que no se había presentado hasta entonces, dando un espacio amplio para las generaciones futuras a comentarlo y entenderlo.

La fragmento de Los Cantos de Maldoror

Estoy sucio. Los piojos me roen. Los cerdos vomitan al mirarme. Las costras y las escaras de la lepra han descamado mi piel, cubierta de pus amarillento. No conozco el agua de los ríos ni el rocío de las nubes. En mi nuca, como sobre un estercolero, crece una enorme seta de pedúnculos umbelíferos. Sentado sobre un mueble informe no he movido mis miembros desde hace cuatro siglos. Mis pies han echado raíces en la tierra y forman, hasta mi vientre, una especie de vegetación vigorosa, cubierta de inmundos parásitos, que aún no es planta y que ha dejado de ser carne. Sin embargo, mi corazón late. Pero ¿cómo latiría si la podredumbre y las emanaciones de mi cadáver (no me atrevo a decir de mi cuerpo) no le alimentasen con abundancia? Bajo mi axila izquierda una familia de sapos ha hecho su casa y, cuando alguno se mueve, me hace cosquillas. Tened cuidado de que no se escape uno de ellos y venga a rascar, con su boca, el interior de vuestro oído: podría después introducirse en vuestro cerebro. Bajo mi axila derecha tengo un camaleón que les persigue continuamente para no morirse de hambre: es necesario que todos vivan. Pero cuando un bando desbarata los ardides del contrario, encuentran más cómodo no enfadarse y chupan la deliciosa grasa que cubre mis costillas: ya me he acostumbrado. Una maligna víbora ha devorado mi verga y se ha puesto en su lugar: esa infame me ha convertido en eunuco. Ah, si hubiera podido defenderme con mis brazos paralizados; pero creo más bien que se han convertido en leños. Sea lo que fuere, importa hacer constar que la sangre ya no llega hasta allí a pasear su rojez. Dos pequeños erizos, que han dejado de crecer, arrojaron a un perro, que no los rechazó, el interior de mis testículos, alojándose dentro de la epidermis después de lavarla cuidadosamente. El ano ha quedado obstruido por un cangrejo que, envalentonado por mi pasividad, guarda la entrada con sus pinzas ¡y me produce mucho daño!

En el día del padre: Andrew Baines

Durante su adolescencia Baines realizó un viaje con su padre a Londres y allí quedó fascinado ante el ir y venir de ejecutivos con traje por las calles de la ciudad. “Cuando estuve allí vi ejércitos de hombres con bombín, todos iguales como clones, y pensé que era un montaje pero mi padre me explico que era la gente que salía del trabajo, al que acudían de 9 a 5 y que eso es lo que harían hasta los sesenta años, y entonces podrían comprarse un reloj de oro y caerse muertos.”

Así explica Baines los motivos que le llevaron a llenar en la playa australiana de Adelaida de vacas y productos de leche. Estos son los ingredientes para llevar a cabo su última creación: una metáfora sobre el estrés laboral y las largas horas de oficina. Cualquier pregunta que se nos venga a la cabeza al observar estas imágenes quedará en el aire. Así es el surrealismo, incomprensiblemente sorprendente.

http://www.andrewbaines.com/

Imaginación, concepto y fotografía: George Grie

Continuando con la misma rama, puesto que es contemporáneo de Thomas Barbèy, les presento otro gran genio de la técnica fotográfica.

George Grie nació en la URSS el 14 de mayo de 1962. Se graduó en la Universidad Estatal en 1985 en Bellas Artes y diseño Aplicado con honores. Desde el inicio de su carrera profesional decidió no adoptar las vías tradicionales de los estilos artísticos, sino que siguió el camino más polémico y exigente de la innovación de la pintura neo-surrealista.

El resultado de sus esfuerzos durante su relativamente corta carrera pictórica y artística (1985-1998) proporcionó a Grie un considerable grado de éxito con varias exposiciones en algunas capitales europeas. Sus pinturas contienen una representación de imágenes fuertes y poderosas basándose en el impacto visual. Capturando paradojas visuales que, a veces, representan la calma y los momentos contemplativos, la soledad y, otras veces, la melancolía. Hay una quietud en sus temas, que transmite una sensación de reflexión interna y auto-observación.

Requiem

En 1999, George Grie decidió transoformar drásticamente su carrera artística cuando se mudó a Toronto (Canadá) y estudió las últimas técnicas informáticas artísticas. Se convirtió en un profesional del Diseño Gráfico Multimedia y se incorporó a IBM Corporation como el primer especialista de nuevos medios de comunicación. Su interés principal se centra en el software de modelado 3D contemporáneo y sus aplicaciones. Aplicar su experiencia anterior en bellas artes y pintura clásica a nuevos proyectos digitales, le proporcionó una completa libertad de expresión. Sus últimas obras de arte neo-surrealista digital, son un extraordinario registro visual de su pensamiento conceptual, opiniones filosóficas, fantasías y sueños. A menudo, viajando en el subconciente. El foto-realismo de Grie muestra una obra de arte mágica y lúdica, como un mundo de sueños enlazado con el dominio de los detalles: iusiones sobrenaturales, romanticismo místico, magia espiritual y fantasías de trance ilusorias presentadas conjuntamente en su mundo virtual. No siempre es un mundo cómodo y convencional. Hay una gran cantidad de tensión y alienación en los extraños acontecimientos que tienen lugar en su imaginación.

Panic attack

Mindscape

El resultado de sus esfuerzos durante su relativamente corta carrera pictórica y artística (1985-1998) proporcionó a Grie un considerable grado de éxito con varias exposiciones en algunas capitales europeas. Sus pinturas contienen una representación de imágenes fuertes y poderosas basándose en el impacto visual. Capturando paradojas visuales que, a veces, representan la calma y los momentos contemplativos, la soledad y, otras veces, la melancolía. Hay una quietud en sus temas, que transmite una sensación de reflexión interna y auto-observación.

The mind cave or paranoid non-bizarre delusion

Final frontier voyage

Para más información de este artista entre en http://www.neosurrealismart.com/ donde podrán ver más obras suyas, así como también su significado.

Imaginación, concepto y fotografía: Thomas Barbèy

En esta entrada me gustaría hablarles sobre un genio de la fotografía llamado Thomas Barbèy, en el que además de combinar el surrealismo moderno expresa su gran dominio adapatación de las nuevas técnicas fotográficas .

Thomas Barbèy nació en Connecticut, USA, en 1957 siendo llevado por sus padres a Europa cuando contaba tan solo con seis meses. Después de Italia y Alemania, llega a Suiza donde ha vivido durante 17 años. Toda su escolaridad fue en francés. Salió de la Universidad de Ginebra después de semestre para seguir una carrera en el negocio de la música. Después de escribir varias cartas a músicos italianos, se traslado a Italia y permaneció allí durante 15 años. Su éxito en el negocio de la música le permite pagar todos sus gastos y mantener la fotografía con un hobby. Después crearía su propio estudio fotográfico dedicado al mundo de la moda a principios de los 90 y finalmente en el 95 se mudará de nuevo a América. Hoy en día está asociado con su esposa Suzanne y ambos viven en Las Vegas. Ella se encarga de la parte comercial y el trabaja la fotografía en blanco y negro, las imágenes surrealistas a las que el mismo llama “photomixage”.

Swell time in town

Tourist trap

  

La inspiración de Thomas Barbèy viene de muchos años de viajar por todo el mundo, la vida cotidiana y de algunos de sus artistas favoritos, como Rene Magritte, MC Escher o Roger Dean. Thomas lleva siempre consigo su Mamiya RB 67 y varias viejas  Canon AE-1s  allá donde va a hacer fotografías. El proceso de sus montajes se inicia con su concepto. Es seguido por la exposición y selección de los negativos. El diseño se crea eligiendo cuidadosamente los procedimientos y la combinación de la impresión; superponiendo e imprimiendo negativos juntos; preparando dobles exposiciones en la cámara, y/o una combinación de todo lo anterior.

Urban offering

Aunque constantemente le preguntan cómo consigue hacer sus fotografías, a Thomas le gustaría pensar que sus fotos se pueden apreciar sin ningún conocimiento real de su virtuosismo técnico. La visión de la inspiración y la imaginación no es una técnica adquirida en la escuela, sino más bien sus creencias personales, un don de Dios. Esta es la única manera de Thomas Barbèy puede explicar el origen de cualquier idea que pueda tener durante el proceso de creación.

Paris the city of lights

Core issues

  

Cada una de sus imágenes tiene que pasar por lo que a Thomas le gusta llamar la prueba “So, What?” (Y ¿Qué?). Si la combinación de dos o más negativos juntos no le toca o no tiene un particular sentido, entonces los rechaza. Thomas intenta combinar imágenes y, a veces, los  resultados pueden ser decepcionantes. Un reloj gigante en el medio del océano puede ser una inusual imagen, pero si él la mira y se dice a sí mismo, “¿Y qué?” Esto significa que no es suficientemente buena. Sin embargo, un océano lineal va hacia un agujero en forma de “embudo” y él le da el título de “directo a China”, esto toma un nuevo significado. La imagen te lleva a un mundo imaginario donde se puede ver al capitán diciéndoles a los pasajeros que sujeten sus cinturones de seguridad y estén preparados para el descenso.



Blown Away

  

Thomas llega a veces con las ideas de antemano, trata de materializaras y funciona. En otras ocasiones, es un accidente y las ideas vienen después, cuando la imagen ya está terminada y el concepto aún no se ha entendido. Es casi como si él estuviera aprendiendo constantemente a través del proceso de creación. Thomas viaja constantemente para hacer fotografías de diferentes lugares y cosas. A veces usa una imagen  años más tarde de haberla tomado, pero solo cuando esta se ajusta, como en un rompecabezas, para completar algún proyecto.

In her course

Algunas imágenes se componen de negativos que están separados por una década en el tiempo real, sólo cobran vida cuando encuentra su pareja perfecta. Es la combinación de dos o más negativos que dan nacimiento a una visión completamente inusual, pero sobre todo, el título que da a la imagen final, es el pegamento y la sustancia de la pieza.

En la web de Thomas Barbèy  se pueden ver todas sus imágenes y el significado que estas tienen.

http://thomasbarbey.com/