El surrealismo en Volkswagen Polo Bluemotion

La nueva campaña de la agencia DDB para el VW Polo BlueMotion consiste en una serie de carteles basados en la obra de René Magritte y Salvador Dalí. En concreto, reinterpretan algunos de los elementos más conocidos de obras como "El hijo del hombre" de Magritte o "La Persistencia de la Memoria" de Dalí.

Anuncios ilustrados por Kirill Chundinskly para Volkswagen Polo Bluemotion.

Los creativos de DDB no han sido demasiado originales. De hecho, esta es la enésima incursión publicitaria en la obra de los surrealistas y muy especialmente en la de Magritte, profusamente explotada en todo tipo de anuncios. Se trata de una presencia recurrente que ha sido estudiada en profundidad en libros como ""Cenci n´est pas un Madritte (Essai sur Magritte et la publicité) de George Roque, en el que se analiza la utilización de los recursos lingüisticos de Magritte en la comunicación persuasiva.

También Marta Mensa, del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universitat Autònoma de Barcelona trató este tema en su tesis "L´altra cara de René Magritte, el publicista". En ella analiza la "publicidad magrittiana" a través de más de 6000 anuncios publicados en suplemento dominical del diario El País entre los años 1995 y 2005.

La vinculación de Magritte con la publicidad es muy profunda. A pesar de que la detestaba, él ejerció como creativo publicitario durante toda su vida. En 1918, con apenas 20 años, creó su primer cartel, un anuncio de sopas Derbaix y continúo aceptando encargos publicitarios hasta los años sesenta. Su último trabajo lo realizó para Sabena en 1966, tan solo unos meses antes de morir. Además entre 1931 y 1936 trabajó con su hermano Paul en al agencia Studio Dongo, situada en el patio trasero de su casa.

Imagino que la predilección de los publicistas por Magritte (casi podríamos hablar de obsesión) está relacionada con la fuerte iconicidad de su obra y con su carácter narrativo. Su vocabulario formal y simbólico (como el de muchos otros surrealistas)  favorece una lectura rica y polisémica, pero sencilla. Frente al carácter críptico de buena parte del arte contemporáneo, la obra de los surrealistas es fácil de interpretar.

En el caso de Magritte, además, el impacto que producen en nosotros sus cortocircuitos visuales, hacen que sus imágenes se fijen a fuego en nuestra memoria. Algo a lo que, en nuestra querida economía de la atención, ningún creativo publicitario puede resistirse. (http://smonje.wordpress.com/2008/12/15/inspiracion-surrealista-volkswagen-polo/) (http://www.chudinskiy.com/category.php?count=22&category=print&pic=1)

Para ver más sobre este tema: 

http://www.chudinskiy.com/category.php?count=22&category=print&pic=1

El surrealismo sobre el color

El surrealismo sobre el color

Si la manera del tratamiento de los colores del realismo es para exponer la función aparencial en base a la realidad, entonces, la manera del tratamiento de los colores del surrealismo subraya más la función de los colores subjetivamente, sólo quería la función ideográfica, no considerar la realidad del tratamiento de los colores.

En la película ¨El desierto rojo¨ del director italiano Michelancelo Antonioni, quien es el fundador de la película occidental moderna, el rojo, amarillo y azul son colores para describir sentimientos. Él cepilla la fábrica con rojo y amarillo, y los árboles también son rojos. El rojo y amarillo simbolizan conmoción y miedo, en la película, todo el ambiente está envuelto en rojo y amarillo, estos colores actúan de forma metafórica expresando la cultura de industria moderna que está destruyendo el ser humano. El humo amarillo saliendo por el cañón insinúa que es mefítico. La pared de la heroína es de color azul, insinúa a julia quien es una desequilibrada ve un mundo empedernido e inclemente, ella no puede comunicar con su familia ni con el mundo exterior, su mundo mental se está hundiendo completamente. Verde, el color de la vida, en esta película lo vemos muy poco, esto quiero decir que el mundo se está contaminando por la industria, todas las vidas esta en amenaza, incluso ya no se puede vivir.

Ésta película manifiesta y expresa los colores, no de la mismas forma simbólica que nos presenta la naturaleza, sino que lo hace de forma que se activen nuestras emociones a través de la carga subjetiva que nos proporciona el surrealismo.

René Magritte

Uno de los pintores surrealistas mas importantes del siglo XX.  Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Realismo mágico

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica.

El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma. Desde el punto de vista psicoanalítico, el espejo representa la confusión de identidad del falso yo.

Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.

En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.

En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.

La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.

Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).

A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.

Durante el año siguiente viaja a Israel.

Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.


Os dejo un video que cuenta su obra:

André Bretón : Escritor surrealista

Esctitor, ensayista,  teórico del Surrealismo, reconocido como el fundador y principal referente de este movimiento artístico.

Durante la guerra trabajó en hospitales psiquiátricos, donde estudió las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales), lo que influyó en su formulación de la teoría surrealista. Se convirtió en pionero de los movimientos antirracionalistas conocidos como dadaísmo y surrealismo. En 1920 publicó su primera obra Los campos magnéticos, en la que exploraba las posibilidades de la escritura automática. Al año siguiente rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo.

Fundó con Louis Aragon y Philippe Soupault la revista Littérature. En 1924 escribió el Manifiesto surrealista y a su alrededor se formó un grupo compuesto por Philippe Soupault, Luis Aragón, Paul Éluard, René Crevel, Michel Leiris, Robert Desnos, Benjamin Péret, deseosos de llegar al «Cambiar la vida» de Rimbaud y «Transformar el mundo» de Marx. «El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento.

Sus obras más importantes son:

• Los pasos perdidos (1924).
• Manifiesto surrealista (1924, 1930, 1946).
• El Surrealismo y la pintura (1928)
• Segundo manifiesto (1929).
• Antología del humor negro (1940)
• Prolegómenos a un tercer manifiesto o no (1942).
• Delito Flagrante (1949)
• El Surrealismo a través de sus obras (1954)

Tendencia surrealista en el estilo fotográfico de Jamie Baldridge

Jamie Baldridge es un artista estadounidense, actualmente ejerce de profesor de fotografía en la Universidad de Lousiana. Su proceso de diseño es muy largo, pero su trabajo está enmarcado dentro del surrealismo, puesto que su universo icónico podría ponerse en continuidad con los de Magritte, Delvaux o Dalí.

The Vanity of Oneirology

Tras obtener el título en Teología y Escritura Creativa en la Universidad Estatal de Lousiana, Baldridge sigue sus instintos y con un BFA en Fotografía logra resultados únicos. Jamie trabaja en gran formato con cámaras digitales de alta resolución de 35 mm usando además varias aplicaciones de software para componer sus mundos, casi meramente sintéticos, formados por varias fotografías y reproducciones digitales.

Perpetual Motion

El trabajo de Jamie Baldridge se forja mediante la elaboración de un largo diseño,  primero comienza con dibujos, a continuación sigue con representaciones digitales, luego las sesiones de fotos y, finalmente, la composición de los distintos elementos juntos en una imagen transparente y creíble. El artista dice: “Mientras trabajo, suelo escuchar música clásica o ambiental. Me encanta Thievery Corporation, Gotan Project, Gorillaz, entre otros”.

The Ten Penny Prophet

En cuanto a los sistemas digitales que utiliza, uno de ellos es el software Maya, con el que completa la composición, como si se tratase de una composición musical, que no está completa si en ella no hay silencio; además de utilizar el photoshop (con el que crea texturas), agregando color, equilibrando la iluminación, acentuando zonas, etc, que le dan el toque final de un pulido excepcional.

Los estudios de Jamie Baldridge combinan teología, literatura y fotografía, una combinación  que explica un poco esa forma que tiene de dibujar historias de personajes solitarios y perseguidos por un destino inevitable que representa con diversos elementos y que de alguna forma es una crítica a la sociedad actual y a su afán por saturarse de artefactos. En resumen, las imágenes de Baldridge  son ensoñaciones, más bien pesadillas abiertas a la reflexión, en los que él artista los carga de títulos sugerentes que aportan a sus obras un papel importante a la hora de situar su iconografía en la mente del espectador.

Balancing Gibraltar

Su  última obra se titula Belle Époque, que nace de la inquietud que hay en su mente provocada por toda la agitación en el mundo actual. Los personajes de esta obra expresan todos los aspectos que se viven actualmente en occidente son reflejo de una sociedad conflictiva, materialista e insatisfecha.

Para este año está terminando su último libro “Almost Fiction” (Modernbook Editions, junio de 2012) y también está trabajando en una nueva serie titulada “Playing with Arsenic” que tiene cronológicamente lugar después de la “Belle Époque”. Aunque también está preparando un gran espectáculo para mayo con Bernhard Burhman en la galería Carbon 12 de Dubai.

Seguramente los profesionales de la fotografía ya conocen el trabajo de Jamie Baldridge, pero quienes hacen ilustración o pintura y en general a quienes les gusta el surrealismo y las historias gráficas, les invitamos a conocer Belle Époque; Dystopia y The Everywhere Chronicles, los tres apartados que se pueden visualizar en su website, donde encontramos su extenso e interesante trabajo.

http://jamiebaldridge.com/

Series animadas: Doraemon

Volvemos con otra serie de animación japonesa, esta vez conocida por todos: Doraemon.

¿Qué tiene de surrealista? Digamos que un gato-robot con un bolsillo mágico del que saca todo tipo de de artilugios del futuro no es muy realista… Sin embargo, la serie es muy educativa, transmite los valores de la amistad, y que como todos los aparatos que Doraemon le deja a Nobita son inútiles, al final tiene que solucionar él el problema por sus medios. Creo que todos hemos visto al menos algún capítulo de esta serie durante nuestra vida.

En Japón, la serie tuvo tanta importancia que hasta nombraron al personaje de Doraemon “embajador del manga en los países extranjeros” por ser conocida a nivel mundial.

La serie misma en sí es surrealista, ya que en el último capítulo, se mostraba cómo toda la serie resultaba ser un sueño de Nobita, que despertaba de un coma. Este episodio traumatizó a los niños japoneses, por lo que se prohibió su emisión en otros países.

 La serie ha sido parodiada hasta en nuestro país, por ejemplo, en la serie animada "Cálico Electrónico" tienen dos personajes dedicados de Nobita y Doraemon. No es tan educativa, en este caso es una serie de humor para público adolescente, pero la homenaje es evidente.

El surrealismo en arte moderno: Archan Nair

Archan Nair es un artista visual, ilustrador y director de arte de Nueva Delhi, India, su trabajo es descrito como explosivo. A los 18 años comenzó a trabajar en moda en un negocio familia. Cuando empezó a investigar en el arte digital en 2006 (a la edad de 24) encontró su verdadera vocación. Sólo un año más tarde se convirtió en un artista independiente.

Su increíble estilo no ha pasado desapercibido, de hecho, ha trabajado con varias compañias globales como: Canon, Nike, Microsoft, Pepsi y Sony. A la edad de 27, Archan ya ha experiemntado un gran éxito. Su trabajo también ha sido publicado en revistas como Vogue, GQ, Vanity Fair y Rolling Stone.

Su técnica es combinada, incluyendo tanto las herramientas tradicionales y digitales. Archan crea ilustraciones en capas que están llenas de detalles. Se inspira en diversas fases y formas de vida para crear obras muy complejas, que se conectan en las diversas dimensiones de nuestra existencia.

Algunas de sus obras, incluso pueden recordarnos a Dalí, aunque lo que en verdad el artista busca es representar el proceso real del pensamiento, es decir, el dictado del pensamiento libre, sin control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas como vemos en las imágenes que hemos seleccionado.

Para consulta acerca de más obras de este autor: http://archann.net/  Seguramente ya habíamos visto algunas de sus obras en muchas publicidades. Su arte, en mi opinión, es fruto del trabajo escondido, porque alguna vez nos habíamos parado a pensar en quién hace estas cosas.